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Strachwitz Frontera Collection

El eterno bolero, parte 1: Canciones de amor que perduran por décadas
repstein | Thursday, October 21, 2021 | 2 comments

El bolero es uno de los estilos de canción más importantes de América Latina, tan omnipresente como el tango, el mambo o la bossa nova. Entre los géneros identificados en la Colección Frontera, el bolero romántico ocupa el segundo lugar, con más de 17,500 entradas en la actualidad. Esto incluye más de 70 subgéneros, como el bolero ranchero, el bolero mambo, el bolero rítmico y el bolero criollo, un estilo anticuado que solo aparece en tres grabaciones de 78 rpm.

La mayoría de la gente en los Estados Unidos, independientemente de su origen cultural, ha escuchado un bolero en algún momento, incluso si no pueden identificar específicamente una canción como tal. Algunos boleros se han convertido en grandes éxitos con letras en inglés.

El mundialmente conocido bolero de Agustín Lara “Solamente Una Vez”, escrito en 1941, fue grabado cuatro años después por Bing Crosby con Xavier Cugat como “You Belong to My Heart” (“Perteneces a mi corazón”) y se convirtió en un éxito del Top 10 para Decca Records. Apareció en la película de Disney de 1944 Los tres caballeros cantando al Pato Donald, y también estuvo en la banda sonora de la comedia de 2004 Napoleon Dynamite, en una versión española del Trío Los Panchos.

El clásico de María Grever de 1934, “Cuando Vuelva a Tu Lado”, se convirtió en un éxito del Top 10 en 1959 para Dinah Washington en su interpretación en inglés, “What a Diff'rence a Day Makes”.

Muchos boleros se han convertido en estándares del cancionero latinoamericano. Ya he explorado dos de las melodías más populares en este blog como canciones destacadas: “Perfidia” de Alberto Domínguez y “Sabor a mí” de Álvaro Carrillo.

El bolero, como género de canción, debe distinguirse de la danza española del siglo XVIII del mismo nombre, que constituyó la base del famoso “Boléro” de Ravel, que se estrenó en la Ópera de París en 1928. Casi 100 años antes, el compositor clásico Frédéric Chopin escribió una obra para piano también titulada “Boléro”, pero con un origen ambiguo que a veces se atribuye a las raíces polacas del compositor, lo que dio lugar a la descripción boléro à la polonaise.

El bolero moderno surgió a finales del siglo XVIII como un estilo de canción en Cuba, surgido de la antigua tradición de la trova, que a veces ponía música a la poesía. “Tristezas” se considera el primer bolero compuesto y se atribuye al popular trovador José “Pepe” Sánchez (1856-1918) de Santiago de Cuba, cerca de Guatánamo. Situada en la costa oriental de Cuba, Santiago fue también la cuna del estilo de baile afrocubano seminal conocido como “son”, piedra angular de lo que más tarde se convirtió en la música salsa. Desde el principio, el bolero y el son se mezclaron en un estilo híbrido popularizado por el legendario Trío Matamoros, que catapultó la música a la fama internacional.

En la década de 1940, el bolero echó raíces en México, que se convirtió en el principal exponente del género durante las décadas de 1950 y 1960. Las superestrellas de la época, impulsadas por la potente industria cinematográfica mexicana, eran cantantes y compositores de boleros, como Agustín Lara, Pedro Vargas, Gabriel Ruiz, Toña La Negra y un talentoso trasplantado de Chile, Lucho Gatica. Otros llevaron la antorcha romántica en las décadas de 1960 y 1970, como el cantante de boleros rancheros Javier Solís, la megaestrella del mariachi Vicente Fernández, la seductora vocalista Chelo Silva y el compositor de boleros más importante de México de la época moderna, Armando Manzanero.

El género contó con exponentes de primer orden de otros países, entre los que destacan Rafael Hernández de Puerto Rico, Alfredo Sadel de Venezuela, Julio Jaramillo de Ecuador y Libertad Lamarque de Argentina.

Pero México siguió siendo el centro de atención, sobre todo después de que el Trío Los Panchos estableció el formato preferido de bolero con armonías a tres voces y tres guitarras, con un ligero apoyo de percusión. Fundados en Nueva York en 1944, Los Panchos se convirtieron en los intérpretes por excelencia de la canción romántica en la época de la posguerra, y grabaron docenas de álbumes para Columbia Records y actuaron en conciertos alrededor del mundo. Ganaron nuevos fans en los Estados Unidos con una serie de grabaciones aún populares en las que aparecía la vocalista Eydie Gormé, repleta de un repertorio clásico de boleros.

Mientras hacía la investigación para este álbum, me enteré de un hecho importante. El requinto, una guitarra distintiva afinada más alta y construida más pequeña de lo normal, fue creado por Alfredo Gil, miembro fundador de Los Panchos. Desde entonces, el requinto ha sido un componente esencial de los tríos, empleado para las intros brillantes y los solos de dedos ágiles característicos del género. Por supuesto, el bolero también es versátil y se adapta a una gran variedad de instrumentos, como un cantante solista con guitarra, un combo de club nocturno con piano o una orquesta completa con cuerdas y vientos.

Tras una pausa en su popularidad, el bolero experimentó un importante resurgimiento durante la década de 1990 con una serie de cuatro álbumes de gran éxito del cantante pop mexicano Luis Miguel. Aunque los títulos son redundantes, reflejan el tema esencial de todos los boleros: Romance (1991), Segundo romance (1994), Romances (1997) y Mis romances (2001). Grabados en su mayoría en Los Ángeles para las discográficas latinas nacionales de Warner Music, los LPs presentan un total de 48 boleros desde la década de 1930 hasta la de 1980, arreglados por el compositor y director argentino Bebu Silvetti. El cantautor Armando Manzanero actuó como coproductor en los tres primeros discos, pero Luis Miguel se encargó en solitario del último, que resultó ser el menos exitoso comercialmente de los cuatro.

Al parecer, después de 10 años, los fans ya se habían hartado de boleros reciclados.

Estuve en México a principios de la década de 1990, y las canciones de amor de Luis Miguel estaban por todas partes. Se escuchaban en los camiones, en los restaurantes y en las banquetas de la ciudad, saliendo de las tiendas. Nunca fui fan de esos discos, aunque reconocí el impresionante talento vocal de la exestrella infantil en mi reseña en Los Angeles Times de una de sus primeras actuaciones aquí en 1984, cuando solo tenía 14 años. El adolescente tenía mucho carisma.

El problema de sus discos de boleros es la sobreproducción. Los arreglos son recargados, intrusivos, con demasiados adornos y desorden instrumental. Las canciones están pulidas hasta un brillo sin vida, impulsadas más por cálculos corporativos que por el corazón creativo. Es el mismo problema del álbum original de Let It Be de los Beatles, con el sofocante muro de sonido de Phil Spector, que luego se eliminó en la versión reducida, Let It Be Naked. Una remezcla similar y más sencilla en los discos de Luis Miguel ayudaría a resaltar la belleza de su voz y de las canciones, pero los censores podrían oponerse a una reedición de Romance desnudo.

Al lado positivo, el éxito masivo de la serie Romance de Luis Miguel subrayó el atractivo duradero del bolero. Hasta hoy, esas canciones están encontrando nuevas generaciones de fans a través de nuevas interpretaciones de artistas jóvenes, como la mexicana Natalia Lafourcade y la cantante guatemalteca residente en Los Ángeles Gaby Moreno.

¿Cómo es posible que un género con más de 100 años de antigüedad siga inspirando a fans que ni siquiera habían nacido cuando se escribieron, especialmente hoy en día, cuando la música pop es tan desechable? Yo crecí en los Estados Unidos, pero de alguna manera estoy impregnado de la tradición del bolero, desde mi México natal hasta Cuba y otros lados. Conozco esas canciones tan a fondo como el repertorio de los Beatles de mis años de adolescencia en San José.

Mi amor por el bolero ha durado toda la vida. En el resto de esta exploración del género en tres partes, he seleccionado canciones de tres fases de mi vida: mi infancia, mis años universitarios y mi madurez como adulto. Mi objetivo es mostrar cómo aprendí estas canciones de lejos, las hice parte de mi banda sonora personal, incluso las toqué en mi boda.

El bolero, como el amor mismo, es eterno.

Canciones Que Me Enseñaron Mis Padres

Rayito de luna” por Trío Los Panchos

De niño, yo agarraba los discos de Los Panchos de mi padre, me apretujaba detrás de la consola de su estéreo y me sumergía en la música romántica de los años cuarenta y cincuenta. Intentaba esconderme porque mis hermanos mayores se burlaban de mí por apreciar la música tradicional que ellos consideraban cursi en la primera época del rock. Por alguna razón, fui el único de los ocho hermanos que desarrolló una obsesión de por vida con la música que mis padres ponían en las reuniones familiares, donde los parientes siempre compartían los recuerdos que la música evocaba. La gran colección de discos de mi padre se convirtió en un portal al México que conocía solo a través de ellos.

Los Panchos, que tienen 473 canciones en la Colección Frontera, grabaron decenas de boleros. El dichoso “Rayito de luna”, compuesto por el miembro fundador Chucho Navarro, es el primero que recuerdo. Me cautivaron las armonías a tres voces y el romanticismo descarado, con la imagen del amor que brilla a través de los ojos de la mujer como un pequeño rayo de luna, para rescatar la vida errante del hombre enamorado e iluminar su camino. Los boleros del trío solían ir acompañados de una ligera percusión, con el agradable clip-clop de un bongó o el agudo chasquido de un timbal que añadía sabrosos acentos a las pausas rítmicas. Los estallidos de la percusión me tocaron la fibra sensible que tal vez alimentó mi posterior interés por la música afrocaribeña de todo tipo.

Para ver interpretaciones sorprendentemente diferentes de esta canción, échale un vistazo a la interpretación norteña de Flaco Jiménez y al exuberante arreglo orquestal de Ray Vásquez con la orquesta de George Hernández.

Otros boleros memorables del catálogo de Panchos:

La optimista y alentadora “Flor de azalea”, del equipo de compositores mexicanos Zacarías Gómez y Manuel Esperón; el amor puro de “Contigo”, del mexicano Claudio Estrada; el oscuro abatimiento de “Sin ti”, del cubano Osvaldo Farrés; la desesperada pérdida de “Un siglo de ausencia”, del también miembro fundador del trío Alfredo Gil; y la resignada despedida de “Una copa más”, también de Navarro.

Noche de ronda” por Agustín Lara

Agustín Lara (1897-1970) es quizás el principal compositor de boleros de México, autor de muchas canciones que hoy se consideran estándares internacionales. Encarnaba el lado bohemio y desordenado del bolero. Era delgado, casi esquelético, con un rostro escarpado y desgastado, con un cigarrillo colgado de los labios, sentado de lado al piano, lamentando el último de sus amores perdidos. Su matrimonio con la glamurosa María Félix era bien conocido, pero a menudo escribía sobre sus encuentros ilícitos con mujeres de la noche que le rompían el corazón. En "Noche de Ronda" se le puede imaginar, solo, mirando por la ventana a su Veracruz natal, suplicando a la noche que le diga dónde se ha ido su amante. El título tiene un significado cultural profundo que es difícil de traducir al inglés. Una “ronda” puede sugerir ir de bar en bar, pero también evoca una noche de serenata romántica. Sin embargo, para Lara, nada bueno puede salir de ellas: Que las rondas no son buenas/Que hacen daño/Que dan penas/Que se acaba/Por llorar.

La canción provocaba en mi madre una mirada nostálgica y lejana. Era evidente que la conmovía, a pesar de que ella era extremadamente correcta y católica. Para ella, creo, parte del atractivo era su simpatía por el sufrido Lara, apodado El Flaco de Oro. El alma herida del artista queda patente en esta grabación, con su frágil introducción al piano y su voz empapada de soledad y anhelo. Ha habido decenas de versiones, pero nadie transmite el profundo dolor de la canción como el propio Lara.

La base de datos de Frontera cuenta con un total de 34 ediciones de la canción, incluyendo 11 en discos de 78 rpm. Entre ellas se encuentran dos versiones de la emblemática cantante tejana Lydia Mendoza, una inquietante interpretación con su guitarra en el sello Azteca, y una grabación de Bluebird en la que aparece su hermana María Mendoza, quien toca la mandolina.

También se incluye la interpretación del propio Agustín Lara (con su piano y sus ritmos), reeditada por RCA Victor en un LP titulado Rosa, con muchas de sus composiciones más queridas.

Piel canela” por Pedro Vargas

Pedro Vargas, el refinado cantante mexicano con un tenor meloso, dio un concierto histórico en el Carnegie Hall en 1964, grabado en directo por RCA y lanzado originalmente como un juego de tres cajas. Mis padres ponían, y exhibían, ese álbum cada vez que tenían ocasión. Pero mi madre y mi padre compartían algo más que la apreciación musical. Compartían un orgullo palpable al saber que uno de sus artistas preferidos se presentaba en un prestigioso escenario neoyorquino. Para ellos, era un gran acontecimiento porque el éxito del cantante, y la calidad de su música cosmopolita, contrarrestaban los estereotipos vulgares que tachaban a los mexicanos de incultos e incivilizados, que ellos resentían.

“Piel Canela” es uno de los famosos boleros que cantó durante ese concierto, respaldado por la orquesta de 26 músicos de Jesús “Chucho” Zarzosa y el Mariachi Los Camperos de Los Ángeles. Se trata de una canción de amor optimista con una exuberante imaginería poética, escrita por Bobby Capó, el famoso cantautor de Puerto Rico. El concepto esencial puede ser un cliché: él la ama más que el cielo y el mar, más que el arco iris y las flores. Pero la forma en que lo expresa es encantadora, porque él puede vivir sin la insondable belleza de la Naturaleza, pero no sin la de ella.

            Que se quede el infinito sin estrellas

            O que pierda el ancho mar su inmensidad

            Pero el negro de tus ojos que no muera

            Y el canela  de tu piel se quede igual. 

El puente diverge en un estribillo simple y repetitivo, casi infantil:

Me importas tú, y tú, y tú

Y solamente tú, y tú, y tú

Me importas tú, mi cielo, tú, y tú, y tú

Y nadie más que tú.

A continuación, la canción vuelve con un irresistible oleaje al elevado lirismo de la canción y a su encantadora melodía. Aquí, el compositor subraya el color de los rasgos de su amante (Ojos negros, piel canela, Que me llegan a desesperar), afirmándolo como un himno a la belleza mestiza.

El aire tropical de la canción se debe sin duda a las raíces caribeñas de Capó, que se muestran en este 78 de la Seeco en el archivo, respaldado por la Sonora Matancera de Cuba. La Colección Frontera también incluye otras notables versiones de 78 rpm, entre ellas una del Trío Los Panchos, una versión arreglada de forma peculiar por el director de orquesta y cantante nuyorquino Tito Rodríguez en Tico Records, y una animada versión de los célebres Los Madrugadores del Valle  con acordeón y un toque de polca. También hay una versión más reciente y animada de Pedro Vargas en un LP de RCA Victor, esta vez con las cuerdas y los cuernos de la orquesta, dirigida por el renombrado director de orquesta mexicano Mario Ruiz Armengol, quien afortunadamente sublimó los instrumentos a la rica voz de Vargas.

Cenizas” por Toña La Negra

A mi padre le encantaba Toña La Negra, una elegante cantante afromexicana también de Veracruz, por lo que la apodaban La Sensación Jarocha. El Dr. Gurza no era tan elocuente como mi madre sobre sus gustos musicales, pero tenía muchos discos de la artista en RCA. Nacida como María Antonia del Carmen Peregrino Álvarez, fue una de las principales intérpretes de Agustín Lara, con un estilo vocal cálido e íntimo que oscilaba entre un tenor gutural y un urdimbre puro y agudo. Su caché de cabaret se adapta bien a esta canción sobre el amor de una mujer que queda en cenizas, de ahí el título. Se dirige al hombre que le rompió el corazón y canta como si solo le hablara a él. El canalla ha vuelto tras sufrir su propia desventura, pero ella no está resentida porque, como ella explica, no queda rencor cuando el amor ha muerto. (Has  de saber, que en un cariño muerto, no existe el rencor.) Entonces ella suelta la frase que, si las palabras pudieran matar, sería la muerte de cualquier esperanza que él pudiera tener de reconciliarse:

Y si pretendes remover las ruinas
Que tú mismo hiciste,
Sólo cenizas hallarás

De todo lo que fue mi amor

Aunque la ira haya muerto con la relación, la canción sigue transmitiendo un sentido de enorme tristeza y pérdida. Fue escrita por Manuel (Wello) Rivas Ávila, de Mérida, Yucatán, también en el Golfo de México. Rivas, nacido en 1913, forma parte de una generación estelar de artistas románticos mexicanos, entre los que se encuentran sus compañeros compositores Guty Cárdenas (1905), Gabriel Ruiz (1908) y Consuelo Velázquez (1916), quien escribió la internacionalmente famosa “Bésame mucho”. Entre los cantantes de la época destacan Toña La Negra (1912), Pedro Vargas (1906) y los tres miembros fundadores de Los Panchos: Navarro (1913), Gil (1915) y Avilés (1914).

Mi padre, nacido en 1918, fue su contemporáneo y su mayor fan.

Hay otra versión famosa de la canción, realizada por la superestrella mexicana Javier Solís, conocido como El Rey del Bolero Ranchero. La Colección Frontera cuenta con 16 grabaciones de la canción, incluidas cuatro de Toña La Negra en tres diferentes discográficas. Otras versiones notables son una pegadiza interpretación a medio tiempo de Salomón Prado con un conjunto norteño, una tierna interpretación de mariachi de Chelo con armonías expertamente adaptadas, y una versión de trío afectada y excesivamente adornada de Los Tres Ases que puede escucharse en este video de YouTube.

Quizás, Quizás, Quizás” por Omara Portuondo e Ibrahim Ferrer

Este es sin duda uno de los boleros más reconocidos de todos los tiempos, gracias a las múltiples interpretaciones de la canción en español e inglés. La primera grabación del bolero se atribuye al Trío Durango, lanzada en diciembre de 1947 en Peerless (nº 2417), entonces la principal compañía discográfica independiente de México. El sello Peerless utiliza una forma común del título, " Quiza, quiza", sin "s", sin acento y sin triple "quiza".

La primera versión en inglés fue grabada en 1948 por el actor y músico de origen cubano Desi Arnaz para RCA Victor, con un arreglo intrincado y cosmopolita. Traducida literalmente por Joe Davis como “Perhaps, Perhaps, Perhaps”, la canción es interpretada de forma bilingüe por Arnaz, con estrofas alternas en inglés y español. La alternancia de las estrofas pone de manifiesto lo mucho que la traducción se ciñe al original en cuanto a sentimiento y significado, aunque con menos arte.

Le siguieron muchas otras grandes estrellas, con grabaciones en ambos idiomas: Bobby Capó (1952), Xavier Cugat (1952), Nat King Cole (1958), The Ames Brothers (1958), Ben E. King (1961), Doris Day (1964), Connie Francis (1960), Trío Los Panchos (1960), Sarita Montiel (1963), Trini López (1964), Celia Cruz (1964), Chucho Valdés & Irakere (1996), Cake (1996), Buena Vista Social Club (en directo 2008), Andrea Bocelli con Jennifer López (2008), Natalie Cole (2008), Pussycat Dolls (2008), Pink Martini (2013) y Oscar D'León (2014).

La versión más reciente que he podido encontrar también está entre las más extravagantes: una versión fantasiosa y jazzística de la versátil banda de baile de Montana, The Big Sky Mudflaps, conocida por tocar con un bajo de bañera.

El sitio web SecondHandSongs enumera un total de 215 versiones en seis idiomas, entre ellos el finlandés (“Kenties, kenties, kenties”), el francés (“Qui sait, qui sait, qui sait”), el alemán (“Wer weiß? Wer weiß? Wer weiß?”), el italiano (“Chissà, chissà, chissà”) y el japonés (キサス、キサス).

Escrita por el célebre compositor cubano Osvaldo Farrés (1903-1985), el ritmo lánguido inicial de la canción y su tono melancólico se ven interrumpidos por la repetición entrecortada del título de tres palabras, dando paso a un estribillo enérgico con un vaivén cadencioso. Los cambios de humor y de movimiento dan un toque juguetón a la canción, lo que da lugar a interpretaciones pop que pierden el sentido: la canción trata de un pretendiente desamparado que queda pendiente de un amor esquivo, perpetuamente no correspondido, pero siempre en el aire como una posibilidad... ¡tal vez!

Yo prefiero la versión de dos veteranos vocalistas cubanos, Omara Portuondo e Ibrahim Ferrer, veteranos de la tradición bolera de Cuba. Su interpretación se reduce a lo fundamental: voces armonizadas respaldadas por el piano solista del brillante cubano Roberto Fonseca. No hay ningún tipo de jugueteo en esta interpretación. Es todo corazón y alma. Al despojarse de cualquier exceso, dejan al descubierto los ingredientes clave de toda gran canción: la letra y la melodía. Y los cantantes expresan perfectamente la esencia emocional de este conmovedor bolero: la añoranza de un ser querido que siempre permanecerá justo fuera de su alcance.

El público estadounidense reconocerá a este dúo de ancianos como miembros del famoso Buena Vista Social Club, el grupo de 1997 cuyos álbumes provocaron un boom mundial de la música tradicional cubana.

Más información sobre los boleros de Buena Vista en la tercera parte de esta serie.

 

                                                ̶Agustín Gurza

Also in this series:

The Eternal Bolero, Part 2: Songs I Learned in College

The Eternal Bolero, Part 3: Staying Alive

 

2 Comments

Sugerencia sobre Juan Salazar

de Agustin Gurza, 10/25/2021 - 16:04

Estimado Sr. Huerta: 

Gracias por su nota tan informativa sobre Juan Salazar, el famoso cantante norteño. Su admiración por este artista me inspira ha escribir su biografía para nuestro sitio donde, como usted ha notada, tenemos muchas de sus grabaciones.

Tal vez nos pueda ayudar con algunas fuentes confiables sobre su vida. 

Gracias, 

Agustín Gurza, Editor, La Colección Frontera

 

 

Sugerencia sobre "El Monarca del Bolero Norteño"

de Manuel Huerta G... (not verified), 10/23/2021 - 07:29

Mr. Gurza:

Quien esto le escribe, es una persona de 75 años de edad y, por lo menos, 60 de escuchar toda clase de música popular, en especial la del norte de México; pero, paso al tema central:

Me permito sugerir que tenga a bien la consideración de un artista norteño que impactó al público por su tan personal estilo interpretativo: Juan Salazar, quien, a lo largo de unos 40 años de carrera artística debió grabar alrededor de 3 centenares de canciones muchas de las cuales las tienen Uds. en su colección. Grabó inicialmente para el desaparecido sello "Discos DEL VALLE" (alrededor de 1959-1966); luego para la CBS de entonces (1963-1966), posteriormente para "Discos DEL BRAVO” (1967-1983). En el arranque de su carrera, prácticamente tenía difusión sólo en el norte de México; mas luego se le dió una divulgación a nivel nacional y por su estilo interpretativo llegó a tener la admiración de estrellas nacionales como Javier Solís, Vicente Fernández y de personal administrativo importante de la hoy Sony Music (antes CBS), entre otras particularidades. Se vió obligado al retiro por cuestiones de salud alrededor de 1997 y su defunción ocurrió el miércoles 8 de marzo de 1997 en Monterrey, N.L. ciudad de su residencia.

Le agradeceré infinitamente, repito, si puede ponderar los logros de este artista tan popular, tan discutido pero tan carismático por su modo de cantar; se le llegó a conocer como "El Monarca del Bolero Norteño,” “El Zar del Bolero Norteño," el “Llorón del Micrófono"...

Atentamente,

Manuel Huerta G.

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